viernes, 26 de febrero de 2016

EL NACIMIENTO DE VENUS.

                          EL NACIMIENTO DE VENUS. 

                                          
El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. 
Fue pintada para un miembro de la familia Medici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo.
El tema mitológico era habitual para las casas de campo. Reúne esta obra las características del estilo renacentista: es narrativa, exponiendo en este caso una historia sacada de la mitología. 
 Es realista pues las figuras, y los objetos están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.                         
Utiliza la perspectiva geométrica, dando ilusión de profundidad. 
El esquema de composición es triangular. 
Es una pintura que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.
 Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.

BOTTICELLI.

    Sandro Botticelli

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli Pertenece, a su vez, a la tercera generación cuatrocentista, procuró la libertad de conducirse humanamente, recogida de la antigüedad clásica.La reputación póstuma del artista disminuyó notablemente en los siglos siguientes. Ésta fue recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado exponente máximo de la gracia lineal de la pintura del primer RENACIMIENTO. EL NACIMIENTO DE VENUS y LA PRIMAVERA son, actualmente, dos de las obras maestras más conocidas. Se expusieron por primera vez en 1815 en la galería de los Uffizi.


EL NACIMIENTO DE VENUS.
                                         
Esta obra fue la primera pintura hecha en gran escala en el tiempo del renacimiento con un motivo exclusivamente secular y mitológico. Esta es considerada una de las pinturas mas famosas en la historia del arte. Celebra la idea fundamental de la apariencia de la belleza en la tierra. Aqui encontramos representados los tres elementos esenciales de la materia: aire, tierra y agua.

El nacimiento de Venus  retrata uno de los más pintorescos  mitos clásicos que nos transporta en un mundo de sueños y poesía. Antiguamente el único cuerpo desnudo femenino pintado por muchos artistas había sido EVA. Sus típicas escenas incluían la famosa serpiente que la tentaba o expulsaba del paraíso por desobedecer a Dios. Su desnudo se asociaba mas a un acto de vergüenza del pecado original.  En El nacimiento de Venuspor primera vez, se muestra lo opuesto. Venus se encuentra radiante y su imagen esta llena de vitalidad. Boticcelli  invita  a sus espectadores a considerar una armonía entre la mente y el cuerpo.

FICHA TÉCNICA.

.El tema representa el Nacimiento de Venus, que retrata un mito clásico que nos transporta en un mundo de sueños y poesía.
Observamos a la Diosa Venus (diosa del amor, pues su nacimiento se debe a los genitales del Dios Urano, cortados por su hijo Cronos y arrojados al mar), en contraposto, en el centro de la composición sobre una concha gigantesca sobre las aguas.
Aparece con sus largos cabellos rubios cubriendo sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus Púdicas que arrancan del original de Praxíteles
Venus Púdica. Praxíteles
Aparecen también a su derecha una pareja (Céfiro y Cloris, que representan otro mito), donde Céfiro sopla la concha en la que está Venus; y a su izquierda la Hora Primavera, que va a tapar a la Diosa con una túnica roja. Observamos cómo Venus desembarca en una playa (gracias al soplo de Céfiro), donde hay un árbol, mientras cae una lluvia de rosas.
Representa la encarnación por una parte (Venus espera ser cubierta con una túnica que representa su forma material), y alegóricamente ilustra el misterio de nuestro nacimiento; el Renacimiento a la vida por el Bautismo del Cristiano.
La técnica, como corresponde a la pintura renacentista, es temple sobre lienzo, lo que le permite trabajar el detallismo.
Composición en forma de triángulo, simétrica y dinámica.
Predomina la línea sobre el color, emplea una línea oscura que refuerza los contornos, como si se tratara de una escultura clásica. Muestra el interés por la belleza y presenta un desnudo (los primeros habían representando a Eva; al parecer la Venus “acaba” de nacer, aunque ya aparece con cuerpo de adulto) típico del Renacimiento.
Utiliza colores claros y suaves.
La luz es cenital y representativa, destaca la zona central del cuadro, donde se encuentra Venus, y podemos ver que la zona derecha de la escena está más oscura y llena de sombras.
El cuadro no tiene mucha perspectiva, pero a través del mar y la vegetación consigue dar esa sensación de profundidad dentro del cuadro.

LA GALERÍA DE LOS UFFIZI.
Los Medici comisionaron el Nacimiento de Venus, también Palas y el Centauro y la Primavera, todas en el Uffizi, estas pertenecían a Lorenzo de Pierfrancesco de Medici, primo del Magnífico
.        
Así como Poliziano era un gran poeta de versos escritos, Botticelli era uno de los grandes poetas de la línea y del diseño. Vale la pena mencionar la excepcional técnica y los finos materiales utilizados, como el especial y caro polvo de alabastro, haciendo que los colores sean aún más brillantes y atemporales, ésta es otra de las características por la que esta obra es única. El Nacimiento de Venere es el primer ejemplo de pintura sobre lienzo en Toscana.
Detrás de la interpretación clásica de la pintura sin duda se puede leer una oda a la adinerada familia florentina que solicitó la obra: el reinado de amor llega a Florencia gracias a los Medici, a sus habilidades diplomáticas y a su vasta cultura.
Sandro Botticelli, de ésta manera, regala a la historia del arte una de sus obras maestras más sublimes.
LA MODELO DE VENUS.
                                       
Simoneta Vespucci  fue una musa italiana del renacimiento, esposa de Marco Vespucci de Florencia, familiar de Américo Vespucio. Pintada por Botticelli en varias ocasiones, fue  la familia Vespucci que la dió a conocer al mundo. Muchos pintores en Florenica quedaron locos con ella y desearon usarla como modelo. Entre éstos, los hermanos Lorenzo y Giuliano, de la familia de los gobernantes Medici.
  • En mitología, Venus-Afrodita nació de la espuma de mar. La teología romana presenta a Venus como el principio de rendimiento, esencial para la generación y el equilibrio de la vida. Ella puede dar la victoria militar, el éxito sexual, la buena fortuna y prosperidad.
  • Venus se encuentra en la pose llamada contrapuesto ( contrapposto ) que es mucho mas elegante que si la modelo estuviera parada con ambos pies juntos y derechos en el suelo.
  • La pose de la Venus de Botticelli es una reminiscencia de una Venus de la colección Medici. Una escultura de mármol de la antigüedad clásica  que Botticelli tuvo oportunidad de estudiar. En ambas obras , Venus oculta sus senos y la zona genital con sus brazos.
  • En El Nacimiento de Venus, ella no cubre mas de lo que cubriría un pequeño bikini. Sin embargo, el movimiento de su brazo le trae a la vida y permite que el artista ponga sus manos en una posición realista.
  • De ojos sonadores y tímidos mirando hacia ningún lugar en particular.
  • Su mente está en otro lado como si recordara el lugar lejano de donde proviene.
  • Completamente desnuda porque acaba de nacer. Este es un nacimiento inusual porque es el nacimiento de una diosa. Según la leyenda Venus ya era una adulto cuando nació.
  • Venus casi siempre es mostrada desnuda porque ella es un ser sobrenatural. Nada puede afectar ni lastimarla como lo haría el frío o alguna otra cosa a un ser humano.
  • Boticelli quiso mostrarnos en la expresión soñadora de Venus que no basta con reconocer cuan hermosa era sino que también tenemos que entender que su belleza viene de otro mundo. Un mundo que no podemos conocer o entender, donde todo debe ser perfecto como lo es ella.
EL MITO
 Se le llama Afrodita Urania por ser hija o por descender de Urano. Urano era el dios de los cielos, hijo de Gea, la Tierra. Este se unió con su madre y tuvo muchos hijos, entre ellos los Titanes y Titánidas. Un oráculo, que pronostica el futuro, anunció que un hijo de Urano lo destronaría para proclamarse rey del universo. El dios, lo primero que hizo fue ocultar en una cueva de tierra sin poder ver la luz, a cada hijo suyo que naciese, o sea introducirlos otra vez en su madre. La Tierra, harta de ver lo que hacía con sus hijos, les propuso que se vengasen y solo el más pequeño, Cronos, se vio en coraje de hacerlo. La Tierra le dio una hoz de oro y el menor de los Titanes castró a su padre cuando se iba a acostar con su madre. Cronos cogió los genitales y los tiró al mar. De la espuma del mar y las gotas de sangre de los genitales de Urano nació Afrodita. La diosa ha nacido sin madre al igual que su padre Urano que nació sin padre.
SIMBOLISMO 
¿Qué significa la inmensa concha en la que descansa Venus?
Venus 6
Los caracoles han sido siempre considerandos como símbolos de la fertilidad femenina. Esta gran concha es conocida como Concha de Santiago porque en la Edad Media, una de las peregrinaciones cristianas más importantes era la que se realizó a Santiago de Compostela. A partir de aquí se desarrollaron una de las leyendas donde se sostiene que la ruta se veía como una especie de peregrinación de la fertilidad, llevada a cabo cuando una joven pareja deseaba tener hijos.
 CÉFIRO y CLORIS:
Venus 7
A la izquierda del cuadro observamos los primeros dos personajes de esta obra. Céfiro es conocido como el Viento del Oeste, es la suave brisa de la primavera que impulsa a Venus a la orilla. Aquí lo vemos entrelazado con la diosa Cloris, a quien había secuestrado. Ellos simbolizan la unión de la materia y del espíritu.
¿Cómo secuestró a Cloris?
La ninfa Cloris fue secuestrada por Céfiro en el jardín de las Hespérides. Céfiro se enamoró de su víctima y ella consintió convertirse en su esposa. De esta manera la ninfa subió su rango a diosa y así fue como esta nueva diosa sostenía el perpetuo dominio sobre las flores.
¿Qué significaban las rosas?
Venus 8
De acuerdo a la mitología antigua, la rosa fue creada al mismo tiempo que el nacimiento de la diosa del amor. La rosa con su exquisita fragancia y belleza, es el símbolo del amor. Sus espinas nos recuerdan que el amor puede ser doloroso.
¿Por qué esta pareja tiene diferente color de piel?
Venus 9
Esta no es una pintura cristiana, por lo tanto no existen ángeles, esta pareja tienen alas porque viven en el cielo. Botticelli quiso diferenciar dos tipos de vientos de diferente fortaleza. Por esta razón, los pintó como un hombre y una mujer. Tradicionalmente las figuras masculinas se pintaban con una piel mate más oscura como si hubieran sido bronceadas por el sol. Las mujeres se mostraban normalmente con una piel más clara, como si siempre se protegieran del sol. Así es como aparecen más suaves, delicadas y frágiles.
¿Cómo definían su fortaleza?
Como ellos son conocidos como los Vientos, se encuentran soplando hacia Venus para que ella pueda llegar a la orilla. Los soplos de aire dibujados por Botticelli eran líneas blancas más marcadas. Un soplo de aire más fuerte para Céfiro que para Cloris. El soplo de Céfiro alcanza a levantar el pelo de Venus y la túnica roja que trae una de las Horas.

HORA PRIMAVERA:
Venus 10
  • Ella era una de las tres gracias, que eran las tradicionales compañeras de Venus. En su vestimenta, así como en la túnica que trae, se encuentran dibujadas muchas flores primaverales porque Venus nació en la primavera.
  • Esta Hora se encuentra de puntillas, para no perderse la llegada de Venus. Con su brazo levantado y lista para poner la capa sobre sus hombros.
  • Su traje es blanco y está bordado, un cinturón de rosas (la flor de Venus) rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto (la planta de Venus). Entre sus pies florece una anémona azul, que refuerza la idea de la llegada de la primavera.
Las olas del mar
En esta pintura no podemos esperar que la naturaleza sea el tema principal porque Botticelli no necesitaba hacer una fiel réplica del mar. Aprovechando la necesidad de imitar unas olas reales, fue creando un patrón en forma de V. Todas ellas muy estilizadas y, a medida que se alejaban en la distancia, se reducían en tamaño y al acercarse a los pies de la concha, cambiaban su forma.
OBRAS SIMILARES.
La primavera,contraste con EL NACIMIENTO DE VENUS.
Si El Nacimiento de Venus representa los cuatro Elementos, en La Primavera, Botticelli nos presenta tres fases vitales y dialécticas relacionadas, siendo en ambas obras Venus el centro de interés. La primera es la vida natural, el estadio anterior al humano; el Viento, elemento masculino, entra tempestuosamente por la derecha, captura a la Tierra y la desflora; todo en ellos es opuesto, el sexo, los colores, las actitudes, denotando firmeza el Viento y descoordinación la Tierra...; de esa unión de dos seres contradictorios surge la Primavera, que avanza serenamente distribuyendo flores. La segunda etapa transcurre en el estadio humano: Castitas y Voluptas sostienen posiciones encontradas, ya que aquella desea mantener el anillo de la danza mientras que Voluptas desea irse hacia donde está Mercurio anticipando su gesto el efecto de la saeta que Cupido está disparándole; Pulchritudo, la tercera, intenta conciliar los dos extremos: ir adonde la reclama Castitas y contener a Voluptas y simboliza la Armonía y el Equilibrio; las actitudes de Castitas y Voluptas son contrarias a toda concesión, mientras que la disposición corporal de Pulchritudo, sosteniéndose sobre un solo pie y dando una mano a cada una, busca el compromiso. La tercera fase de la dialéctica transcurre en el estadio divino: al furor fogoso de Cupido, patente en la punta de fuego de su flecha, se contrapone la contemplación misteriosa de Mercurio, hurgando con su caduceo en las nubes, que representan los misterios ocultos, dando Venus el Equilibrio y la Armonía Final, situada centralmente entre la Primavera y Pulchritudo, personajes llenos de Equilibrio siendo ella la síntesis de toda Armonía. La posición de los personajes masculinos, triangular y marginal, y su similar caracterización (alados y armados, Cupido con flechas, Mercurio con espada y Eolo con su soplo huracanado) refuerza el carácter dialéctico y tripartito de la composición. Los esqueletos estructurales y conceptuales de las pinturas nos permiten apreciar, plásticamente, este planteamiento.
 Conclusión.
Botticelli nos presenta a los cuatro elementos en su Nacimiento de Venus y los diversos estados de vida (natural, humano y divino) en La Primavera; ambas obras están organizadas según un esquema centralizado y dialéctico, comportando la combinación de elementos opuestos (sexos, colores, pulsiones...); los diversos autores que se han acercado a estas obras coinciden en afirmar que esta pauta fue sugerida al pintor por el círculo intelectual del que formaba parte su cliente, Lorenzo de Pierfrancesco de Medici, para quien, según se cree, fue creado el conjunto hacia el 1480, decorando, en origen, su villa Castello, cerca de Florencia.

videos.

BIBLIOGRAFÍA.
ARTE POR EL ARTE
ARTEHISTORIA V2
BOTTICELLI
WIKIPEDIA

sábado, 26 de diciembre de 2015

El JARDÍN DE LAS DELICIAS. Lidia Ruiz.

El JARDÍN DE LAS DELICIAS.

El jardín de las delicias es una de las obras más conocidas del pintor Hieronymus Bosch .Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre tabla de 220 x 389 cm, compuesto de una tabla central de 220 x 195 cm y dos laterales de 220 x 97 cada una (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella.                                                            

EL BOSCO.

La escuela flamenca se cerró con su pintor más original EL BOSCO,que hasta 1516,fecha de su muerte,realizó las más extrañas composiciones,donde mezclaba lo real y lo fantástico.
Fueron conocidas sus visiones infernales y los rasgos de humor,todo ello dentro un patente simbolismo un tanto misterioso que ha dado lugar a muy diversas interpretaciones.                                                                               
 A pesar de sus humildes orígenes, su nombre se alzó en las constelaciones de la fama de su época y de la nuestra. Fue el pintor que trabajó para la élite de Bruselas, sobre todo, pintor de aristócratas, de príncipes, con lo cual un pintor ortodoxo, aunque pinte imágenes extrañas, es un pintor de gente clásica.
No se conoce la fecha de la creación de su obra más conocida, el “jardín” que tratamos de explorar, y lo que vemos es extraño. Es un tríptico que muestra una escena religiosa, pero no es un cuadro para una iglesia. En realidad, fue realizado para el príncipe de Orange . Lo que hizo El Bosco es aplicar el formato del tríptico que era típico de las obras religiosas, pero dedicado, en esta ocasión, a un aristócrata.

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS.

 Es un tríptico que muestra una escena religiosa, pero no es un cuadro para una iglesia. En realidad, fue realizado para el príncipe de Orange . Lo que hizo El Bosco es aplicar el formato del tríptico que era típico de las obras religiosas, pero dedicado, en esta ocasión, a un aristócrata.

    
El arte que se ocultan las puertas abiertas de este cuadro es tan misterioso como su interior. La imagen el cuadro cerrada nos muestra su visión de Dios padre, una figura pequeña con un libro en una esquina, en una escena oscura. Él situado fuera del mundo, mirando hacia una gran esfera transparente en la que hay un disco plano. La extraña esfera es una Tierra plana rodeada de agua y envuelta en la bruma.


Lo que representa esta imagen es el tercer día de la creación según se narra en el libro del Génesis, en el que Dios padre crea el principio del mundo. Aún no ha creado a los habitantes de la Tierra, y todavía no existe la luz del sol. El pintor lo representa con una escena grisácea, donde no hay color. Unas pequeñas frases en la parte superior, sacadas de los Salmos del Rey Salomón, hablan de la creación del mundo.                                            
Empezamos a ver ciertas rarezas típicas del Bosco. Cuando abrimos el tríptico, nos encontramos con otras tres escenas, con una estructura narrativa de izquierda a derecha.            
En el lado izquierdo, aparece el Paraíso Terrenal, con la creación de Adán y Eva. Este es un mundo poblado de animales exóticos. Hay seres fantásticos como unicornios o perros bípedos, y otros reales como jirafas, elefantes, monos, puercoespines y aves del paraíso. Seres que en aquellos tiempos solo los más aguerridos viajeros habían podido contemplar.                                     
Con un enorme ingenio y efectos lumínicos de notable modernidad, El Bosco expone en el panel izquierdo el castigo de los pecados y faltas de la sociedad bajomedieval, fustigadas por los predicadores de la época (lujuria, avaricia, soberbia, afición al juego, sensualidad de la música, costumbres de los clérigos...).
   Se así cierra el ciclo, y se castiga a aquellos que se dejaron seducir por los goces placenteros que les ofrecía el Jardín de las Delicias terrenales.
   El conjunto se ordena en varios niveles. La parte superior aparece dominada por el infierno de incendios y fuego. En la zona media destaca la figura del hombre-árbol y patinadores desnudos sobre una fina capa de hielo que se quiebra, con lo que van a parar a las aguas heladas donde se debate ya algún condenado. El contraste entre el frío y el calor es uno de los suplicios que según la tradición se sufría en el infierno. En la zona inferior se encuentra el infierno musical, donde los instrumentos musicales (laúd, arpa, órgano de manivela, flauta... de dimensiones descomunales), se transforman en torturadores de los condenados.

COMENTARIO TÉCNICO:

 El Bosco utiliza un punto de vista muy alto (como si estuviésemos observando desde una torre) y así se ve mucho paisaje, el horizonte queda muy lejano. Los colores son muy variados y estridentes, lo que, junto con lo representado, acentúa la sensación de sueño fantástico que impregna todo.
La perspectiva se consigue empequeñeciendo lo que se encuentra lejos. Se hace hincapié en el movimiento de los personajes y en una representación realística de los mismos.
Algo muy típico de los pintores holandeses y flamencos del renacimiento es la minuciosidad en los detalles, hasta el punto de que con una lupa podríamos observar minúsculos detalles que a simple vista pasan desapercibidos.

                      
El tríptico de El jardín de las delicias es una obra de carácter moralizador -no exenta de pesimismo- en la que El Bosco insiste en lo efímero de los placeres pecaminosos representados en la tabla central. El pecado es el único punto de unión entre las tres tablas. Desde su aparición en el Paraíso con la serpiente y con Eva -que asume la culpa principal de la expulsión del Paraíso, propia de la misoginia medieval-, el pecado está presente en el mundo -pese a que se muestre como un Paraíso terreno engañoso a los sentidos- y tiene su castigo en el Infierno.
    

DETALLES.

La cantidad de detalles que contiene “El jardín de las delicias” nos lleva a buscarles una sección aparte dentro del análisis preiconográfico y así veremos algunos de ellos. Esta continuación del análisis se centrara en las 3 partes principales del cuadro que engloba el tríptico abierto: 

PARTE 1. PANEL IZQUIERDA: “El paraíso”. En el primer panel del cuadro se representa el paraíso en el último día de la creación, el cual será la morada del hombre hasta la pérdida de la gracia, debida al pecado. Dios creó las flores, los frutos, los animales y a los 2 primeros humanos, Adán y Eva.
 DETALLE 1: Los frutos. En el paraíso, han aparecido tanto la fruta prohibida, que se encuentra en el árbol del bien y del mal (a la izquierda, representado con una serpiente enroscada en el tronco) y los frutos No prohibidos (a la derecha, detrás de Adán), los cuáles fueron proporcionados por Dios para el hombre. Se ven toda clase de frutos exóticos y enredaderas.
DETALLE 2: Creación de Adán y Eva. Se encuentran primer plano Dios, con un aspecto joven, uniendo a Eva con Adán. Eva fue creada a partir de una costilla de Adán. Dios la creó mientras Adán dormía.                                                                                  
DETALLE 3: La fuente de la vida. Justo en el centro del representado “jardín del edén” se encuentra la fuente de la vida encima de unas rocas llenas de piedras preciosas. Al estar rodeada de agua se encuentra inaccesible y simboliza la tentación y la falsedad (que hallan incluso dentro del paraíso) En el círculo se ve un búho que representa la brujería.                              
DETALLE 4: Los animales. Son representados como bestias que se atacan y devoran alimentándose unas de otras. A la izquierda, un gato se come una rata, en primer plano, los pájaros devoran ranas y sapos, y al fondo se ve como un león está comiéndose un ciervo. En el paraíso, entre tanta demostración de salvajismo, el hombre debía estar por encima de este comportamiento bestial.                                                                                                                                                                                          PARTE 2: PANEL CENTRAL: “El desato de la lujuria”. Representación de la pérdida de gracia del hombre, de cómo todos los mortales cometen el pecado sin pudor y sin miedo a ser castigados. La práctica del acto sexual era la prueba de esta pérdida de gracia del hombre. Éste es el verdadero jardín de las delicias, situado entre el jardín del edén y el infierno, donde serán expiados todos los pecados. En el detalle 4 el personaje de Adán es en realidad un autorretrato de El Bosco. DETALLE 1: El huevo en la cabeza. En el centro geométrico del tríptico hay un jinete con un huevo sobre su cabeza. Se pretende representar la fragilidad del placer, tan frágil como la cáscara del huevo. Como moraleja tiene que la belleza es muy atractiva pero a la vez mortal y caer en el placer es sinónimo de condena eterna. 
DETALLE 2: Estructuras simbólicas. Las 4 extrañas estructuras tienen forma de símbolos sexuales. En estas rocas habitan los mortales, todos los amantes que están en el jardín. Se dice que El Bosco quiso representar los 4 arroyos que confluyen en torno a estas estructuras sean las 4 esquinas de las Tierra. 
DETALLE 3: El baño de Venus. En el centro del jardín hay un estanque donde se bañan unas mujeres. Están rodeadas de jinetes. Es una metáfora sexual. Montar a caballo representa el acto sexual y “el baño de Venus” significaba estar enamorado.                                                                                                     
DETALLE 4: Adán y Eva. A la derecha del extremo inferior Adán es el único que está vestido. Junto a Eva están refugiados en una cueva; se dice que se refugiaron tras ser expulsados del Paraíso DETALLE 5: Las fresas. La fruta representa el placer carnal. El pecado original consistió en comer de la fruta prohibida. En el lenguaje medieval “coger fruta” significaba tener comercio carnal (sexual).                                                                                                                                                                                     
 PARTE 3: PANEL DERECHA: “El castigo eterno”. Todos los pecadores reciben su condena en el infierno. Todo tipo de criaturas y formas demoníacas castigan a los mortales de multitud de maneras. Queda muy bien reflejado el sufrimiento de los humanos, condenados eternamente por llevar a cabo y sin control la lujuria. 
DETALLE 1: Fuegos del infierno. En lo alto del cuadro se ve la imagen más típica del infierno, lleno de fuego y azufre. Debajo la guadaña fálica (2 orejas y una hoja). También se observan feroces animales en la parte inferior. 
DETALLE 2: Castigos del infierno. Una criatura aviforme devora humanos y los defeca en un pozo de excrementos. Es el castigo que reciben los mortales por incurrir en el pecado mortal de la gula.                
                                                
DETALLE 3: Instrumentos musicales gigantes. Estos instrumentos musicales simbolizan por tradición el amor y la lujuria. En la obra se representa que estos instrumentos sirven para crucificar a los que en vida cometieron pecados carnales.
                                      

VIDEOS.
https://www.youtube.com/watch?v=Sj3fkaegAuU
https://www.youtube.com/watch?v=8nxgxVORbBE




Significado.

El tríptico El Jardín de las Delicias es una obra enigmática, en la que es difícil encontrar las claves que permitan entender el significado pleno de su obra. Los estudiosos difieren respecto a la interpretación de la obra más enigmática de El Bosco. La mística de su tiempo, la alquimia, la astrología el folklore local, la herejía adamita y hasta la teoría psicoanalítica se han utilizado para dar sentido a una pintura de la que ni siquiera conocemos su nombre original. Podemos aceptar o rechazar estas interpretaciones sobre la obra de El Bosco, pero no puede ponerse en duda que su significado era explícito para sus contemporáneos.
 De Tolnay, en una explicación de tipo psicoanalítico, explica la obra como una representación del sueño humano que trata de romper con los límites impuestos al amor por la tradición y la moral entonces vigentes.
Otros ven en El Bosco un hereje o un seguidor de sectas e ideas esotéricas. Para Fraenger, la tabla central del tríptico representa el Paraíso sensual de los Adamitas, que defendían el nudismo y las relaciones sexuales libres. La unión del placer y el amor, sensual y espiritual, era el mejor de los medios para restablecer la inocencia perdida del Edén. Sin embargo, estas explicaciones no tienen conexión real con la biografía de El Bosco. Éste es un pintor famoso, perfectamente integrado en una sociedad cristiana de la que es un miembro apreciado y respetado, lejos de toda duda razonable sobre su ortodoxia. Esto aleja cualquier interpretación esotérica o críptica a la hora de encararse con su obra.
  Hoy la mayoría de los críticos rechazan estas interpretaciones, aun cuando reconozcan elementos aportados por sus defensores en el análisis pormenorizado de la simbología del Bosco. Mayoritariamente el Jardín de las Delicias se considera una sátira moralizante sobre el destino de la naturaleza humana y los hombres de su entorno social.Sin embargo, la proliferación de monstruos y de signos fantásticos conduce a una lectura ambigua o poco clara. Aunque se admite su consideración como pintura religiosa, con un meditado programa iconográfico donde se condena la participación en un mundo de placeres, al tiempo éstos se presentan (tabla central) de forma agradable. El Bosco pretende mostrar en la tabla central el desenfreno del pecado de la lujuria, pero muestra una peculiar fascinación por los vicios que ataca. Hay un mensaje de advertencia al cristiano, un anuncio de castigos, pero en el exceso de las imágenes, en la reiteración de los motivos, hay una sobrecarga consciente quizá con la pretensión de satisfacer y  deleitar al clientes que adquiere la obra.
 

   El Jardín de las Delicias fue probablemente un encargo de Enrique III de Nassau para su palacio de Bruselas, donde se encontraba la obra en 1517, tan sólo un año después de la muerte del pintor. Estos encargos de particulares no siempre tenían como finalidad colgar la pintura en un recinto sagrado o, al menos, en una iglesia pública, y se reservaban el "placer" del disfrute privado de las ocurrencias bosquianas. No lo hacían por el "sermón" del contenido de obra, sino también por el disfrute en su contemplación. En esta capacidad fabuladora y de "divertir con sus diabluras" pueden estar algunas de las razones de su éxito.


BIBLIOGRAFÍA.
Museo Nacional EL PRADO
Mupart
Jardín de las delicias Manuel Haro
Wikipedia.